Partition du morceau "Ö” de Philippe Schoeller

Philippe Schoeller est né le 13 avril 1957, en France. Sa formation musicale traditionnelle (piano avec J.-C. Henriot, chant choral dans le Choeur Bach de J. von Websky, harmonie et contrepoint avec B. Berstel, initiation à la direction d'orchestre avec G. Dervaux, analyse avec R. Piencikowski) s'est enrichie d'études en musicologie (licence) et en philosophie (maîtrise et D.E.A., option Philosophie de l'Art, Paris-Sorbonne). Il est aussi lauréat des concours internationaux de composition Antidogma (Turin 1984) et H. Dutilleux (Tours 1990), et a suivi les cours de Pierre Boulez au Collège de France, les cours de I. Xenakis à l'Ecole des Hautes Etudes, ou encore les master-classes de F. Donatoni au C.N.S.M. de Paris.

Rencontré par pianobleu.com lors de la création pour les Semaines Musicales de Quimper de 2007 d'une oeuvre pour flûte, clarinette, piano, violoncelle et récitant d'après " Pas un bruit… ", récit de Marine ESVELIN (Lauréate 2006 du écrit dans le cadre sur Concours d'écriture " Plumes et Partition "), voici présentée ici une autre oeuvre de Philippe Schoeller, pour piano seul cette fois , écrite en 1999. Il nous en offre le mp3 et les premiers feuillets manuscrits et a bien voulu répondre à quelques questions pour présenter¨"Ö” et plus largement son travail.

Pouvez vous présenter l'œuvre de la partition dont vous proposez aux internautes de jouer le début ?

“Ö” - prononcer hö - signifie lumière dans la langue tibétaine.“ Ö “ est dédiée à Florent Boffard. Flux vibratile. Flux scintillant.
Flux turbulent. Ainsi le piano comme espace micropercussif, traversé de myriades d’impulsions en autant de contacts légers,
effleurants, des dix doigts sur le clavier, comme des successions d’empreintes d’animaux multiples, presque innombrables, touchant le sol sonore à des vitesses vertigineuses. Entendre Le flux comme lire toutes les trames feuilletées et transparentes. Comme autant de sources sonores jaillissantes d’un vent de feutre ou de plumes traversant le piano-Lyre, jusqu’à la griffe âpre ou déchirante, aussi. Un piano éolien. Mais aussi “Ö “ comme paradoxe d’un fluide composé d’éléments très solides, insécables, oui , mais flux qui peut à tout moment se transformer immédiatement donc se rompre. Comme la lumière transforme sa couleur ou change d’énergie, jusqu’à la rupture, instantanément, par saut, mais sans l’éclat facile et sa bravoure effaçant le mystère. Instant; vitesse infinie. La forme de cette oeuvre s’inscrit à la mesure de cette image paradoxale: une lumière acoustique composée d’atomes, comme un souffle de grains. Sans oublier les colères des vents de sables.

Quel conseil principal donneriez-vous aux internautes qui veulent se risquer à la jouer ?

Plonger! Jouer, chanter, mémoriser les empreintes harmoniques, mesure après mesure, en jouant par coeur les yeux fermés. Alors, après quelques heures le temps fluide et tranquille s'installe.

Cette pièce est dédié au pianiste Florent Boffard pouvez-vous nous présenter ce pianiste et votre travail avec lui ?

Florent Boffard, quel musicien! Une rencontre, artistique et humaine, essentielle dans ma vie. A l'époque Florent était encore pianiste au sein de l'Ensemble Intercontemporain, à Paris. Et j'étais fasciné par sa vitesse, son intelligence du son et son approche "guépard" du clavier. Non pas en terme de virtuosité pure mais en terme de chorégraphie, de danse digitale
face à cet instrument et comment Florent jouait avec tant d'élégance les textes les plus échevelés. Alors Ö est né.

Vous avez vous-même étudié le piano, cet instrument tient-il une part importante dans vos compositions ?

Oui, le piano et sa littérature immense. Mais... mais... une conception de la musique qui appartient à une époque révolue, à jamais. Même si la structure du tempérament nous est si familière, ses 88 notes, son chromatisme standardisé... Pour composer il faut quitter la représentation du piano, tout en l'ayant parfaitement intégrée, car cet échiquier noir et blanc
est très facile pour mémoriser et visualiser la musique du point de vue des hauteurs. Premier point, second: la résonance!
Un point d'impact, feutre sur métal, une "cathédrale en bois" qui résonne, puis une projection dans l'espace de tout ce flux mélés de cordes vibrantes, dont la complexité de couleur et de devenir a encore un grand pouvoir de fascination, comme les cloches ou tous les métaux résonnants. Naissance, vie et mort du son: attaque, corps et chute de la résonance : toute l'histoire du piano est là.

Vous avez écrit cette partition sur trois portées, pour quelle raison avez-vous fait ce choix, est-ce très courant en musique contemporaine ?

On rencontre cette écriture chez Scriabine, Debussy (préludes), et puis jusqu'à des extrêmes de 10 portées chez Xenakis. Mais la question est celle de rendre lisible la polyphonie, comme les 4 systèmes de lignes superposées au sein de 2 portées, mais rendues lisibles par la séparation des voix par les hampes des notes, dans les fugues à 4 voix du Clavier Bien Tempéré de J.S. Bach. On pourrait, pour plus de clarté, les écrire sur 4 portées, de façon à bien chanter chaque voix. Glenn Gould fait chanter sur 4 portées cette musique.

Quelle est la part de vos compositions faites « sur commande » ? Quelle est votre prochaine commande ?

Je travaille pour les dollars ou pour Dieu ! ( Stravinsky dixit). Je reprends cette maxime et la fait mienne. Actuellement: Je travaille à cela :
19 juin 2009, création mondiale.
Centre Georges Pompidou.
“ Operspective Hölderlin”
commande Ircam, Centre Georges Pompidou, Witten Festival.
pour Quatuor à cordes, Soprano et spatialisation de matériaux électroniques élaborés à l’Ircam.
Quatuor Arditti
Barbara Hannigan, soprano.
Production Ircam, collaboration artistique: Gilbert Nouno.
Première oeuvre utilisant en situation de concert le nouveau sytême de 120 haut-parleurs WFS°, conçu et inventé par l’équipe acoustique des salles / spatialisation ( Direction : Olivier Warusfel ), de L’Ircam ( Institut Recherche Coordination Acoustique Musique - Paris)
Et j'ai j'ai des oeuvres en cours de compositition pour l’Orchestre National de Montpellier où j'ai été élu compositeur en résidence pour 2008-2010 et nombreuses autres oeuvres dont un opéra, une oeuvre pour l'Orchestre de Radio France

Lorsqu’il ne s’agit pas d’une commande, qu’est-ce qui vous inspire le plus souvent ?

Mais une commande est la conséquence mise en place, socialement, pour réaliser une inspiration qui l'a précédée. On imagine, on rencontre les musiciens, professionnels, orchestre, solistes, institutions, on présente son projet et si l'on est convaincu on convainc d'un événement inscrit dans la vie artistique internationale, son économie et sa valeur symbolique, culturelle, qui fait l'objet d'une économie propre, commande ou autre chose, en tous les cas une nécessité de présenter ce travail de l'imaginaire partagé : le concert.

Quelles sont pour vous les meilleurs conditions pour composer ? Comment travaillez vous idéalement ?

N'importe où. Si auprès de la grande nature: parfait! océan, montagne, grands paysages, voûte céleste . Oui, du silence,
aussi, mais pas nécessairement. J'adore la ville noiseuse aussi. Travailler dans la cité. Travailler dans la haute montagne: pareil. La question est de parfaire l'intensité et la qualité de ses représentations, de sa pensée et de son ouïe intérieure. Cela vient d'un travail quotidien de soi à soi, sur soi, pas des autres. Attendre tout de soi même et aimer les autres. Réaliser le concert imaginé, le voir naître, et l'offrir aux musiciens, puis le bonheur infini du concert, du partage, de la scène vivante. Solitude et solidarité.

Quels sont vos compositeurs de référence ?

De Roland de Lassus à John Cage ou Karlheinz Stockausen: tous, sur 40 générations durant 1000 ans. Tous ces hommes sont intéressants, leur musique, venant de la plus haute solitude, de la concentration et de la lumière de l'esprit qui imagine, est toujours intéressante d'une part. De l'autre: toutes les musiques de traditions auxquelles nous avons aujourd'hui un accès inouï, comme jamais. Trouver à n'importe quelle époque, sous toute latitude , les germes fertiles, les bourgeons et les faire pousser ici, dans sa terre, à son époque, avec toute la folie et l' ordre global de son temps. Ici et maintenant. Entre le chaos et la standardisation. Notre planète.

Avez-vous une (ou plusieurs) de vos compositions que vous chérissez particulièrement ?

La prochaine.

Vous donnez également des conférences et master classes, quels en sont thèmes ?

La dynamique de la création artistique, ses enjeux, ses processus, la place -menacée- de la création musicale dans nos sociétés industrielles. La mémoire et sa transformation dans l'intuition créatrice. Le jeu et l'ordre dans l'écriture. Être compositeur ? Non , apprendre et risquer. Toute sa vie. Surtout, avant tout: partager.

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